Die Malerei im Werk Klaus-Martin Treders findet
ihren Kontext im soziokulturellen Referenzspektrum von Farbe als Material und
Bedeutungsträger sowie gegenständlicher Dingwelten. Mit synthetisch
hergestellten drippings und layerings, Fertigteilen aus Farbe, die als Archiv angelegt und am Bild
inszeniert sind, wird methodisch der Mythos gestischer Authentizität dekonstruiert
und Malerei aus einem analytischen Impetus heraus reflektiert. Systematisch wird
das Objekthafte, illusionslos Materialistische der künstlerischen Materie
hervorgekehrt und die Inszenierung durch das Einstreuen, neuerdings Platzieren von
Dingen fortgesetzt, die in einem völlig eigenständigen Prozedere bearbeitet und
auf der Farbschüttung befestigt werden. Sie dienen als Zwischenstadium hin zur
Malerei, naturalisierte Malmittel, Objekt und Farbträger zugleich, deren faktische
und visuelle Funktion bildnerisch erprobt wird, während ihr Referenz- und
Zeichenwert auszuhandeln ist. Als Kontextimporte verbinden sie sich mit der körperlich
getrimmten Malerei zu einer Art anthropologischer Abstraktion.
Gegenüber den Bildern kommen die Objekte, die
neben ihnen Stellung beziehen, einem radikalen Registerwechsel gleich.
Tatsächlich sind sie jedoch aus diesen hervorgegangen. Als mittlerweile selbstständige
Gestalten im Raum flankieren sie, keinem klassischen skulpturalen Verständnis
folgend, eher fragil und in simpelster Nüchternheit die verhandelten Themen.
Die komplexe Frage, welche Gestalt Malerei
angesichts künstlerischer wie ökonomischer Prägungen heute annehmen kann, wird
in den ausgestellten Arbeiten Klaus-Martin Treders auf eine Option hin
verhandelt, die, nicht ohne Exzentrik, vom Material her gedacht in einem
gesellschaftlichen Resonanzraum aufgeht.
(Sonja
Klee, 2022)
This type of
presentation of the art of painting finds its context in sociocultural references
that read paint as a kind of material and vehicle conveying meaning as well as links
to objective worlds composed of things. Through synthetically produced drippings and layerings, which are readymade
components made of paint and stored as an archive but put into action in the
picture, the artist methodically deconstructs the myth of gestural authenticity.
Instead, painting is reflected by means of an analytical impulse. Systematically,
the thing-like, nakedly materialistic side of artistic matter is brought to the
fore and this staging is further pursued by sprinkling in, or most recently, by
placing onto and affixing to the surface of the poured paint, certain objects
that were produced in an utterly independent process. These serve as intermediate
stages on the way towards painting; they are naturalized painting materials,
both object and purveyor of paint at the same time, whose factual and visual functions
are tested sculpturally, all the while their referential and symbolic values
are being negotiated. As importers of context, they make common cause with the
physically engaged activity of painting thereby giving shape to a kind of anthropological
abstraction.
Compared to the
pictures, the objects that take up their position alongside them suggest a
radical change of registers. In fact, though, they have descended from them. Having
become by now autonomous figures in space, they flank, without observing any classical
understanding of sculpture, rather fragilely and with the utmost sober simplicity,
the issues at hand.
The complex question
as to what sort of shape painting might presently assume in the face of
artistic as well as economic pressures is answered in a singular way by Klaus-Martin
Treder’s exhibited works: One option results from prior negotiations – an
option that not without eccentricity proceeds by thinking outward, away from
the material, and which has things dissolve in a space resonant with social
meanings.
